HOY: “Pastores” Francisco Iskandar, por Ulises Petit de Seurat. - Del 7 al 21 de junio de 2009
Parte de la obra anterior de Francisco Iskandar fue abarcada por una idea de arqueología ficticia. Una búsqueda hacia atrás en la línea del tiempo, fantaseada y materializada en un hallazgo verosímil, un audaz juego del escultor que pidió prestada la lengua del científico aventurero. Aquel que se atreve a cavar profundo y a desempolvar con delicadeza los restos exánimes de vidas imaginadas como fogosas. Huellas cuyo único destino es ser conservadas e interpretadas para que sean capaces de dialogar con nuestro presente. La obra de arte cargada con un valor adivinatorio.
Paradójicamente una parte de aquellas piezas escultóricas se perdió en las llamas, y el resto sigue oculto.
Si bien sobre lo que el artista muestra hoy se desliza, como antes, una lograda pátina de nobleza -una sombra de melancolía, en palabras de Melville- se percibe también cómo late Eros.
Esta muestra en ‘petit gallerie’ está más cerca del presente, entendido como un origen del futuro. Si lo rústico tiene su elegancia, en un tiempo donde toda transacción gusta de ser híbrida, es porque no hay ingenuidad en la elección. Lo inquietante de estas bestias no es una mutación genética a la moda sino una pregunta que nos acosa.
La excusa de sus pequeñas telas está nuevamente en relación con el juego del hombre de ciencia, pero catalogar y estratificar ha sido también función esencial del arte. Aún en épocas de exquisito desarrollo tecnológico los únicos capaces de representar con cierta exactitud a las especies marinas de las profundidades, son los dibujantes. Las cámaras fotográficas resultan todavía inútiles con escasa luz y el objetivo en movimiento, a una centena de metros bajo la superficie del mar.
Los individuos del diagrama de Iskandar son lobos, corderos o canes. Entre los hombres está la ley del hombre… porque quién es el bueno y el malo entre los animales, para los animales? Las líneas posibles del sociograma de nuestro artista son infinitas como el reflejo de una moral arcaica -que asociaba al arte con el espejo- estallada en fragmentos que le escapan al todo. Relaciones entre especies autodiferenciadas que huyen del demonio de la completud.
Cierta intención obsesiva que intenta el orden de la geometría entra en tensión con lo animal. La obra se mueve, se reorganiza, tiene incontables formas. Como una jauría de sentidos identificables pero salvajes que no se acomoda más que un segundo frente a nuestra mirada. En ese instante esas bestias ya somos nosotros y el motivo desciende desde el Barroco y antes aún en Plauto: homo hominis lupus. El hombre es el lobo del hombre. El artista propone poner a resguardo algunas cosas, ejercer la convivencia.
La pregunta íntima avanza desde la subjetividad atravesando el bosque hacia la zona de lo común: quién es quién en el juego de mesa de la memoria, cuál soy yo y quién sos vos.
La pregunta sobre el ser es feroz para el artista.
La mirada del animal acecha siempre al hombre interrogándolo sobre su esencia; pero desprovista del puente ilusorio de un lenguaje común cobija fantasías variadas. A menudo siniestras adjudicaciones de sentido.
Desde estas diminutas y encantadoras obras hay ojos que nos miran.
Quizás lo salvaje sea finalmente menos siniestro que lo civilizado.
HOY: José Gregorio Nilsen Braun Shangrila" Ester Nazarian en Petit Gallerie - 10 al 26 de mayo
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Una chinada múltiple como en un bazar y en procesión al lado de las vírgenes malas
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Ulises Petit de Seurat
Una chinada múltiple como en un bazar y en procesión al lado de las vírgenes malas
con las ratas de plástico, mascotas, un chancho, y las armas secretas también pueden abrir una botella,
la luna, o 20 san gregorios que ni se mosquean.
Nazarian entra en transe por la acumulación de una catarata dorada de objetos que se mueven lo menos posible.
Irradian en calidad de sagrados.
En Uruguay, Shangrilá es un shopping de Canelones, pero en este caso remite lejano y
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Ulises Petit de Seurat
esto no es un almohadón - petit gallerie . 22 de marzo al 19 de abril
La muestra colectiva, “esto no es un almohadón”, en petit gallerie, reúne a 68 artistas reconocidos y unos cuantos interrogantes.
Cada artista recibió un soporte realizado con dos cuadrados de tela de14 x 14 cosidos en todo su contorno y rellenos con vellón siliconado de primera calidad. Este cuadrado, será un almohadón?
Veamos, en cuanto a lo formal, que puede decirnos Juan Eduardo Cirlot en su “Diccionario de símbolos”
“El cuadrado es la expresión geométrica de la cuaternidad, es decir, de la combinación y ordenación regular de cuatro elementos”.
Ahondando un poco más acerca de la cuadratura del círculo, Juan Eduardo Cirlot nos dice:
La “cuadratura del círculo”, como el lapis o el aurum philosophicum, constituó la preocupación de los alquimistas, pero mientras estos últimos símbolos se referían más bien a la finalidad evolutiva del espíritu, el primero concernía a la identificación de los dos grandes símbolos cósmicos: el del cielo (círculo) el de la tierra (cuadrado)”. Y continúa: “Es, pues, una coincidencia de los dos contrarios, pero no entendida como yuxtaposición o coniunctio, sino como identificación y anulación de los dos componentes en síntesis superior. Correspondiendo el cuadrado a los cuatro elementos, en el significado de la “cuadratura del círculo” que, en realidad, no debiera denominarse así, sino “circulación del cuadrado”, se trataba de obtener la unidad de lo material (y de la vida espiritual) por encima de las diferencias y oposiciones (orientaciones) del cuatro y del cuadrado”.
Cuales son nuestros cuatro elementos?
Pues bien, tres artistas generadoras de este 4º elemento, el proyecto petit.
Platón dijo: “El ternario es el número de la idea; el cuaternario es el número de la realización de la idea.”
He aquí los cuatro elementos generadores de esta muestra de 68 artistas, teniendo como excusa un almohadón cuadrado de 14 x 14.
Que significó para los artistas partir de un almohadón que parece no serlo?
Trataré de develarlo:
68 artistas dividido 4 (los lados del cuadrado) = 17.
7+1= 8 = 2 x 4. (Dos grupos de 4, uno perteneciente al staff de petit, y otro al círculo de los artistas convocados)
Esto no es un almohadón, dicen desde Petit, y algunos artistas sostienen, tampoco es un cuadrado.
Comenzando a desesperarme, acudo a
Almohadón: Colchón pequeño a manera de almohada que sirve para sentarse, recostarse o apoyar los pies en él.
Y Ludwig Wittgenstein escribe:
“… Hay el enunciado: “este lápiz tiene cinco pulgadas de longitud” y el enunciado: “yo siento que este lápiz tiene cinco pulgadas de longitud”, y tenemos que aclarar la relación de la gramática del primer enunciado con la gramática del segundo. Al enunciado “yo siento en mi mano que el agua está a tres pisos bajo tierra” contestaríamos “yo no sé lo que significa esto”. Pero el adivino diría: “es seguro que usted sabe lo que significa. Usted sabe lo que significa “tres pies bajo tierra” y sabe lo que significa “yo siento”. Pero yo les respondería: yo sé lo que significa una palabra en ciertos contextos. …”(Los cuadernos marrón y azul)
Entonces esto es un almohadón o no?
Uno de los artistas convocados comentó que se había sentido muy a gusto con el trabajo y que el no-almohadón le había permitido poner otra vez los pies en la práctica artística, recostar su cuerpo en la tarea, y sentarse a disfrutar viendo su trabajo realizado.
Me encuentro en
- como dijo James Joyce en “Ulises”…”Si puedes poner los cinco dedos a través de ella, es una verja, sino, una puerta. Cierra los ojos y mira”.
- ¡mozo, una lágrima!
Que está buscando petit con esta convocatoria y este montaje?
“La multiplicidad y su consecuencia la diversidad pueden ser lo mismo producto de una multiplicación que de una división. Para el simbolismo, lo esencial de lo múltiple es lo dividido. Para expresar con un ejemplo esta idea diremos que, frente a una fruta unitaria, cual la manzana, la idea de multiplicidad se concreta perfectamente en la granada internamente subdividida en multitud de granos. De ahí el carácter negativo de la multiplicidad y que, para la doctrina simbólica, lo uno personal carezca de valor en cuanto no haya realizado la labor de transmutación, destruyendo en sí la apetencia de la dispersión en el espacio (multiplicidad) y en el tiempo (transitoriedad) para poder convertirse en imagen de lo Uno y ser asumida así por el principio eterno”. (Cirlot, Diccionario de símbolos)
-¡mozo, una granadina y un apple strüdel!
Tengo un almohadón en el bolsillo. Lo toco mientras cierro los ojos. Me concentro, me digo:
-¡Mirá Ulises, cerrá los ojos para ver!
Una imagen del almohadón del sofá de casa se instala en mi mente. Algo es algo, pienso.
-¿Cierro los ojos para ver lo que no veo?
Mmm, cada vez entiendo menos.
Ulises Petit de Seurat
Carta a un joven poeta - Rainer Maria Rilke
París, 17 de Febrero de 1903 Mi estimado señor:
Hallé su carta hace apenas unos días. Quiero darle las gracias por su gran afecto y confianza. Siento no poder hacer más; no puedo juzgar la forma de sus versos, porque la intención crítica está demasiado alejada de mí. No hay cosa más deficiente que tocar una obra de arte con palabras críticas: siempre van a surgir interpretaciones equívocas más o menos felices. Las cosas nunca son tan evidentes y claras como generalmente se pretende hacernos creer. La mayoría de los hechos no tienen explicación lógica; se cumplen en espacios en los que jamás entró una palabra; y lo más inexplicable de todo es una obra de arte, existencia misteriosa, cuya vida es eterna y opuesta a la nuestra, que se desvanece. Después de esta advertencia, puedo añadir que sus poemas no tienen una forma propia, pero si tienen un callado y escondido principio de personalidad. Con mucha claridad lo percibo en la última poesía: "Mi alma". En ella, algo particular en usted quiere llegar a fundir palabra y música. Y en el hermoso poema "A Leopardi" toma cuerpo una especie de cercanía con aquel grandioso solitario. Sin embargo, estos poemas, aún no se mantienen por si mismos; no tienen independencia; ni siquiera el último y el dedicado "A Leopardi". La amable carta que acompañó sus poemas, me explica algunas deficiencias que encontré al leerlos, pero no puedo señalarlas. Usted pregunta si sus versos son buenos. Me lo pregunta a mí. Anteriormente le preguntó a otros. Los lleva a las revistas. Los coteja con otros, y se preocupa porque algunas reacciones los rechazan. Entonces (como usted me ha permitido aconsejarlo), le suplico que abandone eso. Usted mira hacia fuera y, es precisamente lo que no debe hacer ahora. Nadie puede aconsejarlo ni ayudarlo, nadie. Solamente existe una manera: entre en si mismo. Descubra el fundamento que lo lleva a escribir; investigue si tiene raíces en el lugar mas profundo de su corazón; reconozca si para usted sería necesaria la muerte en caso de ser privado de escribir. Esto ante todo: pregúntese en la hora mas callada de la noche: ¿debo escribir?. Busque en lo mas profundo de si mismo la respuesta. Y si esta es afirmativa, si enfrenta esta grave pregunta con un seguro y sencillo "debo", siendo así, edifique su vida conforme a tal necesidad: su vida, aún en la hora mas insignificante y pequeña, debe ser signo y testimonio de ese acto. Entonces, trate de expresar como el hombre primigenio lo que ve y siente, lo que ama y pierde. No escriba poesías de amor; sobre todo, apártese de las formas demasiado comunes y que se encuentran con facilidad: son las mas difíciles, porque se necesita mucha madurez para aportar algo propio donde existen en cantidades buenas y, en parte, sobresalientes tradiciones. Por tal motivo, líbrese de los motivos generales y tome los que le ofrece su diario devenir. Muestre sus tristezas y deseos, los pensamientos que acuden a su muerte y su fe en algo bello; muestre todo eso con profunda sinceridad interior, serena, sumisa, y para expresarse, use los objetos de su entorno, imágenes de sus sueños y las cosas esenciales de sus recuerdos. Si su vida cotidiana le parece pobre, no la culpe, cúlpese a usted mismo, reconozca que no es lo suficiente poeta para encontrar en ella sus riquezas. En los creadores no cabe la pobreza, ni los lugares pobres e indiferentes. Y aunque usted estuviera en una cárcel sin poder percibir los rumores del mundo exterior, ¿no tendría siempre su infancia, esa riqueza preciosa, grandiosa, fuente inagotable de recuerdos?. Regrese a ella su mirada. Intente aflorar las brumosas sensaciones de tan inmenso pasado; se fortalecerá su personalidad, se acrecentará su soledad y se hará un lugar a la sombra, en el cual, el estrépito de los otros pasa de largo y lejano. Y si ese regreso a lo interior, de ese adentrarse a su propio mundo brotan versos, no acuda a nadie para saber si sus versos son "buenos". Tampoco intentará que las revistas literarias se interesen en sus trabajos, pues los verá como una preciosa propiedad natural, un pedazo y una voz de su vida. Una obra de arte es buena cuando surge de la necesidad de crearla. En esa naturaleza de origen está implícito el juicio: no hay otro. Por eso, mi querido señor, no podría darle otro consejo que este: penetrar en si mismo y encontrar las cosas mas profundas de su vida. Esa es la fuente en la cual usted encontrará la respuesta a su pregunta si debe crear; tómela como suene, sin explicaciones. Tal vez suceda que usted está llamado a ser artista. Si es así, acepte su destino y llévelo con su sufrimiento y su grandeza, sin preguntar jamás por la recompensa que hallará afuera. Pues el creador debe ser un mundo en si mismo, encontrar todo en si y en su propia naturaleza. Tal vez después de esta comunión con su mundo interior y sus soledades, debe renunciar a ser poeta (sería suficiente, como he dicho, sentir que se puede vivir sin escribir, para definitivamente no hacerlo). De cualquier forma, tampoco habría sido en vano el recogimiento interior en que le insisto. En todo caso, partiendo de ahí, su vida encontrará sus propios caminos, y le deseo que sean dichosos, ricos y amplios, se los deseo mucho más de lo que soy capaz de expresar. ¿Qué más le diría?. Creo haber realzado todo en su debida forma: para terminar, solo deseo aconsejarle que progrese en su evolución en forma sosegada y sincera: no podría sufrir un deterioro mas desastroso, si mira hacia el mundo exterior y espera de él una respuesta, a preguntas que solamente podrá contestar desde su interior, acaso, en la hora mas callada. Fue para mí una alegría encontrar en su carta el nombre del profesor Horacek; conservo hacia ese bondadoso sabio, una profunda admiración y respeto que perdura en el tiempo. Si usted es tan amable, le encomiendo que le haga conocer mis sentimientos; es mucha bondad de su parte que aún me recuerde, y lo sé apreciar. Ahora, le devuelvo los versos que me confió tan amistosamente. Agradezco de nuevo su cordialidad y confianza, de la cual, con esta sincera respuesta, dada en la mejor forma que sé, trato de hacerme un poco más digno de lo que en realidad soy, por mi condición de desconocido para usted. Con fervor e interés.
Hallé su carta hace apenas unos días. Quiero darle las gracias por su gran afecto y confianza. Siento no poder hacer más; no puedo juzgar la forma de sus versos, porque la intención crítica está demasiado alejada de mí. No hay cosa más deficiente que tocar una obra de arte con palabras críticas: siempre van a surgir interpretaciones equívocas más o menos felices. Las cosas nunca son tan evidentes y claras como generalmente se pretende hacernos creer. La mayoría de los hechos no tienen explicación lógica; se cumplen en espacios en los que jamás entró una palabra; y lo más inexplicable de todo es una obra de arte, existencia misteriosa, cuya vida es eterna y opuesta a la nuestra, que se desvanece. Después de esta advertencia, puedo añadir que sus poemas no tienen una forma propia, pero si tienen un callado y escondido principio de personalidad. Con mucha claridad lo percibo en la última poesía: "Mi alma". En ella, algo particular en usted quiere llegar a fundir palabra y música. Y en el hermoso poema "A Leopardi" toma cuerpo una especie de cercanía con aquel grandioso solitario. Sin embargo, estos poemas, aún no se mantienen por si mismos; no tienen independencia; ni siquiera el último y el dedicado "A Leopardi". La amable carta que acompañó sus poemas, me explica algunas deficiencias que encontré al leerlos, pero no puedo señalarlas. Usted pregunta si sus versos son buenos. Me lo pregunta a mí. Anteriormente le preguntó a otros. Los lleva a las revistas. Los coteja con otros, y se preocupa porque algunas reacciones los rechazan. Entonces (como usted me ha permitido aconsejarlo), le suplico que abandone eso. Usted mira hacia fuera y, es precisamente lo que no debe hacer ahora. Nadie puede aconsejarlo ni ayudarlo, nadie. Solamente existe una manera: entre en si mismo. Descubra el fundamento que lo lleva a escribir; investigue si tiene raíces en el lugar mas profundo de su corazón; reconozca si para usted sería necesaria la muerte en caso de ser privado de escribir. Esto ante todo: pregúntese en la hora mas callada de la noche: ¿debo escribir?. Busque en lo mas profundo de si mismo la respuesta. Y si esta es afirmativa, si enfrenta esta grave pregunta con un seguro y sencillo "debo", siendo así, edifique su vida conforme a tal necesidad: su vida, aún en la hora mas insignificante y pequeña, debe ser signo y testimonio de ese acto. Entonces, trate de expresar como el hombre primigenio lo que ve y siente, lo que ama y pierde. No escriba poesías de amor; sobre todo, apártese de las formas demasiado comunes y que se encuentran con facilidad: son las mas difíciles, porque se necesita mucha madurez para aportar algo propio donde existen en cantidades buenas y, en parte, sobresalientes tradiciones. Por tal motivo, líbrese de los motivos generales y tome los que le ofrece su diario devenir. Muestre sus tristezas y deseos, los pensamientos que acuden a su muerte y su fe en algo bello; muestre todo eso con profunda sinceridad interior, serena, sumisa, y para expresarse, use los objetos de su entorno, imágenes de sus sueños y las cosas esenciales de sus recuerdos. Si su vida cotidiana le parece pobre, no la culpe, cúlpese a usted mismo, reconozca que no es lo suficiente poeta para encontrar en ella sus riquezas. En los creadores no cabe la pobreza, ni los lugares pobres e indiferentes. Y aunque usted estuviera en una cárcel sin poder percibir los rumores del mundo exterior, ¿no tendría siempre su infancia, esa riqueza preciosa, grandiosa, fuente inagotable de recuerdos?. Regrese a ella su mirada. Intente aflorar las brumosas sensaciones de tan inmenso pasado; se fortalecerá su personalidad, se acrecentará su soledad y se hará un lugar a la sombra, en el cual, el estrépito de los otros pasa de largo y lejano. Y si ese regreso a lo interior, de ese adentrarse a su propio mundo brotan versos, no acuda a nadie para saber si sus versos son "buenos". Tampoco intentará que las revistas literarias se interesen en sus trabajos, pues los verá como una preciosa propiedad natural, un pedazo y una voz de su vida. Una obra de arte es buena cuando surge de la necesidad de crearla. En esa naturaleza de origen está implícito el juicio: no hay otro. Por eso, mi querido señor, no podría darle otro consejo que este: penetrar en si mismo y encontrar las cosas mas profundas de su vida. Esa es la fuente en la cual usted encontrará la respuesta a su pregunta si debe crear; tómela como suene, sin explicaciones. Tal vez suceda que usted está llamado a ser artista. Si es así, acepte su destino y llévelo con su sufrimiento y su grandeza, sin preguntar jamás por la recompensa que hallará afuera. Pues el creador debe ser un mundo en si mismo, encontrar todo en si y en su propia naturaleza. Tal vez después de esta comunión con su mundo interior y sus soledades, debe renunciar a ser poeta (sería suficiente, como he dicho, sentir que se puede vivir sin escribir, para definitivamente no hacerlo). De cualquier forma, tampoco habría sido en vano el recogimiento interior en que le insisto. En todo caso, partiendo de ahí, su vida encontrará sus propios caminos, y le deseo que sean dichosos, ricos y amplios, se los deseo mucho más de lo que soy capaz de expresar. ¿Qué más le diría?. Creo haber realzado todo en su debida forma: para terminar, solo deseo aconsejarle que progrese en su evolución en forma sosegada y sincera: no podría sufrir un deterioro mas desastroso, si mira hacia el mundo exterior y espera de él una respuesta, a preguntas que solamente podrá contestar desde su interior, acaso, en la hora mas callada. Fue para mí una alegría encontrar en su carta el nombre del profesor Horacek; conservo hacia ese bondadoso sabio, una profunda admiración y respeto que perdura en el tiempo. Si usted es tan amable, le encomiendo que le haga conocer mis sentimientos; es mucha bondad de su parte que aún me recuerde, y lo sé apreciar. Ahora, le devuelvo los versos que me confió tan amistosamente. Agradezco de nuevo su cordialidad y confianza, de la cual, con esta sincera respuesta, dada en la mejor forma que sé, trato de hacerme un poco más digno de lo que en realidad soy, por mi condición de desconocido para usted. Con fervor e interés.
entrevista a Marcel Duchamp por Otto Hahn
Aparecida en la revista VUELTA numero 133-134. 1988 Fragmento
--¿Usted siempre ha estado interesado por el surrealismo?
-Es el único movimiento del siglo. El único que haya pretendido dar un aspecto técnico a la pintura, que haya querido quitarse de encima su aspecto visual -no digo retiniano, porque hablo demasiado de este concepto, en cada entrevista hablo de mi rechazo a la pintura retiniana que sólo se dirige al ojo... Los surrealistas buscaban librarse de este aspecto sensual y superficial, en el que a fin de cuentas han caído también. André Breton es a pesar de todos los pesares un hombre de la generación de 1920, no del todo liberado de las nociones de calidad, de composición o de belleza de la materia...
-Cuando se habla de dadá se cita siempre el binomio Duchamp-Picabia, ¿por qué?
-Otra característica de este siglo es que los artistas van por parejas: Picasso-Braque, Delaunay-Léger, y de la misma manera Picabia-Duchamp... Es un curioso matrimonio. Una especie de pederastia artística. Por parejas, se llega a un intercambio de ideas muy estimulante. Picabia era divertido. Era un iconoclasta por principios. Los aceptaba diez días, un mes, y los destruía para dar paso a una nueva exageración. Siempre acababa por reírse de sus principios... No gozó de mayor consideración debido a eso. Los pintores han de ser personas serias.
EL ARTISTA COMO ACTOR-Su vida se ve como una trayectoria muy definida. ¿Es esto así o se trata simplemente de una ilusión retrospectiva?-Se trata de una ilusión. Nada es querido. Yo jamás había decidido ganarme la vida con la pintura. No se trata de una trayectoria ni de una virtud, ni de una obra de arte en sí misma. Si usted prefiere ponerlo así, la pintura nunca ha sido la niña de mis ojos. Hoy en día, pasa todo lo contrario: los pintores ganan mucho dinero y lo van amasando continuamente... No se lo reprocho. Tienen toda la razón pero no puedo impedir ponerlos en el mismo saco que al de los buenos hombres de negocios. La producción va por delante de todo, y producen tanto como pueden. Esto es lo que me inquieta. Y es que me tengo que inquietar, claro. Antes esto no pasaba. El artista no interesaba a nadie, los periódicos no hablaban de él para nada. Se seguía trabajando porque se tenían ganas. Hoy en día, se coloca al artista en un lugar de honor. Está a la diestra de la señora de la casa.
-Así que no le satisface esta promoción social del artista...
-Los pintores creen que la cosa va bien porque se han montado su propio “show”. No se dan cuenta de la trampa que se les tiende. Como le decía un día, hay montones de genios. En estos momentos, hay cincuenta, o cien. Lo importante es conseguir conservarlos, que no formen parte del gusto general. El público lo estropea todo. Hace creer al artista que ha llegado a la cumbre, después lo abandona, le rechaza todo. A pesar del escándalo y de la publicidad de Nu descendant l’escalier, si me hubiera muerto en 1912, nadie hablaría en absoluto de mí. Pero di nueva vida al cuadro con los “ready-made”, con Le Grand Verre. El éxito no es más que una llamarada, enseguida hace falta encontrar madera para alimentar este fuego.
-¿Cómo se hizo el Grand Verre, con tiralíneas o con compás?
-Había encontrado un truco: en vez de trazar una línea, cogía un hilo de plomo y lo estiraba por debajo. Eso hacía una línea. Para las redondas, también había puesto en práctica otro truco. Siempre iba guiado por la intención de desacreditar la idea de la mano.Para borrar la idea del original, que no existe ni en música ni en poesía, se venden muchos manuscritos, pero esto no es lo importante. Incluso en escultura: se trata de vaciados o de obras ejecutadas por estudiantes en prácticas y ni un milímetro del objeto pertenece al artista. En pintura nos hemos quedado en el culto al original. Es una aceptación de la idea de la distancia en el tiempo: como los sellos de correos, que sólo tienen valor porque han sido impresos en 1860 y se los ve desde 1966. Esto es lo único que les da valor. Hay una hipocresía en el hecho de poseer una obra de arte. Aquel que compra un Van Gogh lo hace para decir que tiene un Van Gogh. El valor de la obra está en el hecho de poseerla y no en su valía profunda. Como aquel que cree comprar un Holbein por su verdadero valor: pero es el bastidor, la tela o la madera lo que cuesta caro porque son de hace quinientos años.
LA RUEDA DE BICICLETA-¿Cuál es la interpretación que se le puede dar a la Roue de byciclette?
-Esta máquina no tenía otra intención que librarme de la apariencia de la obra de arte. Era una fantasía. Yo no la llamaba obra de arte, en absoluto. Quería acabar con las ganas de crear obras de arte. ¿Por qué razón las obras de arte han de ser estáticas? La cosa -la rueda de bicicleta- llegó antes que la idea. No hubo intención de hacer una montaña de esto y decir: “Yo he hecho esto y nunca nadie jamás lo había hecho antes que yo”.
-¿Y qué me dice del libro de geometría expuesto a la intemperie?
-Era una pura cuestión de humor. Simplemente se trataba de hacer humor, humor para denigrar la seriedad de un libro de principios.
-A partir del hecho de las numerosas notas acumuladas para el Grand Verre, hay la tendencia a pensar que todas sus obras, todos los “ready-made” son fruto de una larga elaboración.
-Los “ready-made” son una cosa completamente diferente al Grand Verre. Los hice sin intención o sin otra intención que la de librarme de los pensamientos. Cada “ready-made” es diferente. No se encuentra ninguna característica común en ninguno de los treinta o treinta y cinco “ready-made”, aparte de que están hechos a mano. No hay ninguna idea directriz. Quizás la indiferencia, la indiferencia en el gusto. Habría podido elegir veinte cosas al mismo tiempo, pero hubieran acabado pareciéndose. Y en absoluto quería que pasara eso. Naturalmente, la gente siempre acaba por encontrar parecidos. Es el precio del tiempo.
-Hay personas que consideran que, al autorizar la reproducción de sus “ready-made”, usted había renegado de su actitud heroica, de desprecio al comercio, en la cual usted se había hecho fuerte durante cuarenta años.
-¡Ah! ¿Se quejan, protestan? Deben decir: “Es despreciable, es una infamia, es una vergüenza...” Pensaban que yo les iba a permitir que me encerraran dentro de una categoría, dentro de un cliché. Pero mi espíritu no es así. ¿Qué no les gusta? Pues tanto me da. Hay que pasar de estas cosas...
--¿Usted siempre ha estado interesado por el surrealismo?
-Es el único movimiento del siglo. El único que haya pretendido dar un aspecto técnico a la pintura, que haya querido quitarse de encima su aspecto visual -no digo retiniano, porque hablo demasiado de este concepto, en cada entrevista hablo de mi rechazo a la pintura retiniana que sólo se dirige al ojo... Los surrealistas buscaban librarse de este aspecto sensual y superficial, en el que a fin de cuentas han caído también. André Breton es a pesar de todos los pesares un hombre de la generación de 1920, no del todo liberado de las nociones de calidad, de composición o de belleza de la materia...
-Cuando se habla de dadá se cita siempre el binomio Duchamp-Picabia, ¿por qué?
-Otra característica de este siglo es que los artistas van por parejas: Picasso-Braque, Delaunay-Léger, y de la misma manera Picabia-Duchamp... Es un curioso matrimonio. Una especie de pederastia artística. Por parejas, se llega a un intercambio de ideas muy estimulante. Picabia era divertido. Era un iconoclasta por principios. Los aceptaba diez días, un mes, y los destruía para dar paso a una nueva exageración. Siempre acababa por reírse de sus principios... No gozó de mayor consideración debido a eso. Los pintores han de ser personas serias.
EL ARTISTA COMO ACTOR-Su vida se ve como una trayectoria muy definida. ¿Es esto así o se trata simplemente de una ilusión retrospectiva?-Se trata de una ilusión. Nada es querido. Yo jamás había decidido ganarme la vida con la pintura. No se trata de una trayectoria ni de una virtud, ni de una obra de arte en sí misma. Si usted prefiere ponerlo así, la pintura nunca ha sido la niña de mis ojos. Hoy en día, pasa todo lo contrario: los pintores ganan mucho dinero y lo van amasando continuamente... No se lo reprocho. Tienen toda la razón pero no puedo impedir ponerlos en el mismo saco que al de los buenos hombres de negocios. La producción va por delante de todo, y producen tanto como pueden. Esto es lo que me inquieta. Y es que me tengo que inquietar, claro. Antes esto no pasaba. El artista no interesaba a nadie, los periódicos no hablaban de él para nada. Se seguía trabajando porque se tenían ganas. Hoy en día, se coloca al artista en un lugar de honor. Está a la diestra de la señora de la casa.
-Así que no le satisface esta promoción social del artista...
-Los pintores creen que la cosa va bien porque se han montado su propio “show”. No se dan cuenta de la trampa que se les tiende. Como le decía un día, hay montones de genios. En estos momentos, hay cincuenta, o cien. Lo importante es conseguir conservarlos, que no formen parte del gusto general. El público lo estropea todo. Hace creer al artista que ha llegado a la cumbre, después lo abandona, le rechaza todo. A pesar del escándalo y de la publicidad de Nu descendant l’escalier, si me hubiera muerto en 1912, nadie hablaría en absoluto de mí. Pero di nueva vida al cuadro con los “ready-made”, con Le Grand Verre. El éxito no es más que una llamarada, enseguida hace falta encontrar madera para alimentar este fuego.
-¿Cómo se hizo el Grand Verre, con tiralíneas o con compás?
-Había encontrado un truco: en vez de trazar una línea, cogía un hilo de plomo y lo estiraba por debajo. Eso hacía una línea. Para las redondas, también había puesto en práctica otro truco. Siempre iba guiado por la intención de desacreditar la idea de la mano.Para borrar la idea del original, que no existe ni en música ni en poesía, se venden muchos manuscritos, pero esto no es lo importante. Incluso en escultura: se trata de vaciados o de obras ejecutadas por estudiantes en prácticas y ni un milímetro del objeto pertenece al artista. En pintura nos hemos quedado en el culto al original. Es una aceptación de la idea de la distancia en el tiempo: como los sellos de correos, que sólo tienen valor porque han sido impresos en 1860 y se los ve desde 1966. Esto es lo único que les da valor. Hay una hipocresía en el hecho de poseer una obra de arte. Aquel que compra un Van Gogh lo hace para decir que tiene un Van Gogh. El valor de la obra está en el hecho de poseerla y no en su valía profunda. Como aquel que cree comprar un Holbein por su verdadero valor: pero es el bastidor, la tela o la madera lo que cuesta caro porque son de hace quinientos años.
LA RUEDA DE BICICLETA-¿Cuál es la interpretación que se le puede dar a la Roue de byciclette?
-Esta máquina no tenía otra intención que librarme de la apariencia de la obra de arte. Era una fantasía. Yo no la llamaba obra de arte, en absoluto. Quería acabar con las ganas de crear obras de arte. ¿Por qué razón las obras de arte han de ser estáticas? La cosa -la rueda de bicicleta- llegó antes que la idea. No hubo intención de hacer una montaña de esto y decir: “Yo he hecho esto y nunca nadie jamás lo había hecho antes que yo”.
-¿Y qué me dice del libro de geometría expuesto a la intemperie?
-Era una pura cuestión de humor. Simplemente se trataba de hacer humor, humor para denigrar la seriedad de un libro de principios.
-A partir del hecho de las numerosas notas acumuladas para el Grand Verre, hay la tendencia a pensar que todas sus obras, todos los “ready-made” son fruto de una larga elaboración.
-Los “ready-made” son una cosa completamente diferente al Grand Verre. Los hice sin intención o sin otra intención que la de librarme de los pensamientos. Cada “ready-made” es diferente. No se encuentra ninguna característica común en ninguno de los treinta o treinta y cinco “ready-made”, aparte de que están hechos a mano. No hay ninguna idea directriz. Quizás la indiferencia, la indiferencia en el gusto. Habría podido elegir veinte cosas al mismo tiempo, pero hubieran acabado pareciéndose. Y en absoluto quería que pasara eso. Naturalmente, la gente siempre acaba por encontrar parecidos. Es el precio del tiempo.
-Hay personas que consideran que, al autorizar la reproducción de sus “ready-made”, usted había renegado de su actitud heroica, de desprecio al comercio, en la cual usted se había hecho fuerte durante cuarenta años.
-¡Ah! ¿Se quejan, protestan? Deben decir: “Es despreciable, es una infamia, es una vergüenza...” Pensaban que yo les iba a permitir que me encerraran dentro de una categoría, dentro de un cliché. Pero mi espíritu no es así. ¿Qué no les gusta? Pues tanto me da. Hay que pasar de estas cosas...
HOY: Entrevista a la artista visual Verónica Longoni por Ulises Petit de Seurat
Un agudo e impactante retrato de la mujer que, con su habilidad para manejar los hilos del arte, ha influenciado el mundo de la plástica durante los últimos años.
Nuestro encuentro fue en un bar de la calle Thames, una mañana de noviembre. Ella aparece con un andar apresurado, fresco e inquieto .Yo la aguardaba sentado en una mesa en la vereda. El día se nos mostraba radiante, el sol comenzaba a elevarse.
Nos saludamos, ella se sienta y pide un cortado.
Mi primera pregunta fue: ¿cómo está Verónica? Me contesta: muy bien ¿y usted? Le respondo bien.
En ese momento advierto que la charla pronosticaba una fluidez poco común, comenzamos…
UPdeS- Usted Verónica ¿desde cuando está en todo esto?
VL- No se…hace mucho, también hago otras cosas.
UPdeS- Interesante…cuéntenos algo mas…
VL- Bueno…sabía usted de mi casa de muñecos, ¿no?
UPdeS- Sí claro, la conoce todo el mundo. Ese espacio me trae muchos recuerdos. Cuando era chico mamá me hizo un muñeco de paño lenci realmente hermoso. Mis tías Emilia, Clara y Justina se encargaron de hacerle diferentes trajes. Creo que a partir de ese momento mi interés por las artes se hizo cada vez más visible. Papá había muerto hacía mucho tiempo, ellas me mimaban y protegían. Ya adolescente frecuentaba museos y galerías hasta que decidí seguir la carrera de arte y llegar a ser licenciado.
UPdeS- Leí que usted Verónica siendo joven aun pudo unir su pasión artística con su labor de fabricante de muñecos ¿cree que fue asi?
VL- creo que si…usted qué opina?
UPdeS- Verónica, la considero una mujer poco común …
UPdeS- La imagen de la figura cardíaca ¿tiene por objeto hacer una exposición de los grandes vasos que ingresan y salen del corazón, como así también de los principales vasos coronarios?
VL- No, para nada…
UPdeS- Usted conoce el film El lado oscuro del corazón. La sinopsis nos cuenta de Oliverio, un poeta "maldito" que recorre Buenos Aires con sus amigos bohemios, acosado por La Muerte y buscando a una mujer que pueda "volar".
UPdeS- ¿Usted sabe volar?
VL- Volar, volar como quién dice no! pero…
UPdeS- El título de su exposición “ojos que no ven “se relacionar con ese dicho popular, “ojos que no ven, corazón que no siente”? ¿Sabía que los auriculares pueden interferir a los marcapasos? Un estudio recomienda a quienes utilizan dispositivos para mantener el ritmo cardíaco no llevar aparatos tipo MP3 cerca del pecho. Las señales harían latir al órgano. Tener los auriculares de un MP3 o radio muy cerca del pecho podría interferir en el funcionamiento normal de los marcapasos o cualquier otro dispositivo empleado para mantener el ritmo cardíaco.
VL- qué complicado, fue tan solo un título…no se, no se me ocurría otro.
UPdeS- Participa con el tema "Ojos que no ven, corazón que no siente" en el foro Amor y pareja. ... Cuantas veces hemos escuchado esa frase para tratar de justificar lo injustificable....!!! no??? ¿que piensa?
VL-No sé, usted dice cada cosa, yo no tengo tiempo .Soy esposa, madre, trabajo, pinto, hago gimnasia…
UPdeS- Verónica, sus cuadernos son tapa dura Rivadavia ,no?
VL- Si, de hojas lisas.
UPdeS- Mamá me compraba esos, así aprendí a dibujar, Verónica usted sabe que yo también dibujo, no? Es muy liberador. Mis primeros lápices me los regalaron unos parientes que vivían lejos , comencé a representar a toda mi familia y también pegaba mis figuritas que tenían brillantina , Verónica todo esto me provoca cierta nostalgia, Verónica usted es una genia !!!
VL- Uy, señor Ulises comenzó a llover…
UPdeS- Qué pena, nunca tuve una charla tan linda, me gustó entrevistarla, me gustó lo que dice, su modo de ver la realidad, realmente me voy satisfecho .gracias
VL- De nada
Buenos Aires, noviembre 2008
"HABITANTES DEL PLANETA, YO FEDERICO MANUEL PERALTA RAMOS, ME DIRIJO A
VDS. PARA COMUNICARLES LOS MANDAMIENTOS DE UNA NUEVA RELIGION QUE HE
INVENTADO"
1.- Ser gànico (significa hacer siempre lo que uno tiene ganas.)
2.- Hay que irse a los bofes.
3.- A Dios hay que dejarlo tranquilo.
4.- Perder tiempo.
5.- No perder tiempo.
6.- Regalar dinero.
7.- No distraerse.
8.- Ampliar la esencia hasta llegar al halo.
9.- Vivir poeticamente.
10.-Hacer programas aburridisimos.
11.-Tratar de divertirse todo el tiempo.
12.-Creer en el gran despelote universal, tomar como punto de referencia eso.
13.-No endiosar nada.
14.-Superar lo controlable.
15.-Superar el plano fisico.
16.-Jugar con todo.
17.-Darse cuenta.
18.-Creer en un mundo invisible mas alla del plano fisico, mas alla de los
lejos y de los cerca.
19.-Hay que andar liviano en este mundo...o no.
20.-Provocar movimiento.
21.-Despreciar todo.
22.-No mandar.
23.-Flotar.
24. Clavar esto con una chinche en la pared.
VDS. PARA COMUNICARLES LOS MANDAMIENTOS DE UNA NUEVA RELIGION QUE HE
INVENTADO"
1.- Ser gànico (significa hacer siempre lo que uno tiene ganas.)
2.- Hay que irse a los bofes.
3.- A Dios hay que dejarlo tranquilo.
4.- Perder tiempo.
5.- No perder tiempo.
6.- Regalar dinero.
7.- No distraerse.
8.- Ampliar la esencia hasta llegar al halo.
9.- Vivir poeticamente.
10.-Hacer programas aburridisimos.
11.-Tratar de divertirse todo el tiempo.
12.-Creer en el gran despelote universal, tomar como punto de referencia eso.
13.-No endiosar nada.
14.-Superar lo controlable.
15.-Superar el plano fisico.
16.-Jugar con todo.
17.-Darse cuenta.
18.-Creer en un mundo invisible mas alla del plano fisico, mas alla de los
lejos y de los cerca.
19.-Hay que andar liviano en este mundo...o no.
20.-Provocar movimiento.
21.-Despreciar todo.
22.-No mandar.
23.-Flotar.
24. Clavar esto con una chinche en la pared.
HOY: "aparatos, gentes y adefesios" Florencia Viton
"aparatos, gentes y adefesios" por Ulises Petit de Seurat
Florencia Vitón es argentina, madre, artista, diseñadora textil y en general.Trabaja en su taller combinando el espíritu de un inventor loco, una científica desquiciada y una exquisita artista.Todo lo que el resto de los mortales consideramos basura, para Vitón son potenciales objetos y obras de arte a ser realizados: collares tejidos a crochet con cinta de cassette, autitos de colección con cajas de remedios, enigmáticas instalaciones con tubos de ensayo, papeles con escritos ilegibles, personajes construidos con microchips de computadora, entre otros.En sus estanterías se alinean en una democrática y desprejuiciada convivencia acrílicos, témperas, plasticolas de colores, papeles glacé, cintas de embalaje, tableros eléctricos, etc.
Florencia recicla, cambia la función, renombra y resignifica imágenes conocidas, materiales cotidianos, dándoles un nuevo sentido.
El collage es en su trabajo un concepto en sí mismo; una manera de ver al mundo. Deconstruir para entender, renconstruir para seguir indagando en el universo y sus múltiples combinatorias.
En Petit Gallerie hasta el 10 de noviembre, Thames 1719 de 11 a 20hs. 4831.6505
Florencia Vitón es argentina, madre, artista, diseñadora textil y en general.Trabaja en su taller combinando el espíritu de un inventor loco, una científica desquiciada y una exquisita artista.Todo lo que el resto de los mortales consideramos basura, para Vitón son potenciales objetos y obras de arte a ser realizados: collares tejidos a crochet con cinta de cassette, autitos de colección con cajas de remedios, enigmáticas instalaciones con tubos de ensayo, papeles con escritos ilegibles, personajes construidos con microchips de computadora, entre otros.En sus estanterías se alinean en una democrática y desprejuiciada convivencia acrílicos, témperas, plasticolas de colores, papeles glacé, cintas de embalaje, tableros eléctricos, etc.
Florencia recicla, cambia la función, renombra y resignifica imágenes conocidas, materiales cotidianos, dándoles un nuevo sentido.
El collage es en su trabajo un concepto en sí mismo; una manera de ver al mundo. Deconstruir para entender, renconstruir para seguir indagando en el universo y sus múltiples combinatorias.
En Petit Gallerie hasta el 10 de noviembre, Thames 1719 de 11 a 20hs. 4831.6505
Entrevista a Louise Bourgeois en la Robert Miller Gallery
11 de abril de 1989
Soy una especie de reclusa y no necesito continuar y continuar cada vez mas rápido, ni necesito enseñar mi trabajo, ni explicarlo. Si el trabajo no se comunica contigo por sí solo, relájate. ¿Tienes que definirte a ti mismo? Es muy difícil definirse y es mucho más difícil mostrarse.
No estoy interesada en otros artistas, disfruto con algunos inmensamente, pero es un placer sin relación con mi trabajo. De hecho es casi como unas vacaciones cuando salgo a ver una exposición.
Tengo una casa de campo en Suiza, a la que cualquiera puede ir, pero he descubierto que quieren que haga crítica de su trabajo. Bien, esto es ridículo. Yo torturo mi cerebro para la crítica, hago crítica constructiva y ellos se lamentan porque no quieren ser criticados, ellos quieren ser amados y animados.Esto no es posible, no se puede animar a todo el mundo. Puedo pasar horas hablando de su trabajo pero ellos no pueden pretender que lo ame. Y algunas veces no me gusta. No puedo comprometerme a decir que me gusta algo que no lo hace. Aprecio esas tardes pero siento al final de ellas que algo ha fallado. Siento que toda esa gente ha venido por algo que no ha conseguido. La gente espera demasiado; pretenden que les estimule a convertirse en Picasso, el cielo es el límite. Esto es lo que veo en los estudiantes, ellos desean el show y las grandes ventas, y no hay límite en esto.Me recuerda a un viejo cuento de hadas: un niño quería dejar su casa, olvidarse de ella, y corrió hacia el bosque hasta las seis de la tarde, después quiso volver pero no pudo rehacer sus pasos.La idea de vender es nueva, en el pasado los artistas trabajaban, hacían sus exposiciones y después llevaban sus trabajos de vuelta a casa.-nada se vendía, naturalmente-. Esto naturalmente me ha sucedido a mí. Un montón de artistas abandonaban, pero era una gran experiencia ver el trabajo lejos del estudio en una exposición.Recuerdo que cuando Stuart Davis tuvo éxito y le hicieron una gran exposición en el MOMA, él dijo “nunca podré pintar de nuevo” y eso era cierto. No sé qué clase de síndrome es éste, pero muchos artistas no pueden soportar el éxito. Y tampoco puedes vivir continuamente en el fracaso… de modo que puedes decir que el arte es una adicción que no puedes controlar.
El material es sólo el material, está ahí para servirte y dar lo mejor de sí, si quieres o esperas algo más, simplemente cambias de material. El mármol es interesante para mí porque posee una magnífica resistencia y al mismo tiempo es frágil, se rompe. Uno busca una cosa y encuentra algo diferente; si quieres algo demasiado rompes la piedra.
La resistencia del material es semejante a la resistencia de las personas; cuando quieres seducirlas y ellas no lo desean, lo que tú quieres es la base, pero tienes que ajustar.El romance con la materia es absurdo, una noción académica, los materiales son lo que son, no son un fin sino un medio para conseguir un fin, ha de servirte. La finalidad es conseguir lo que quieres decir. Tanto si lo que quieres es entender como si lo que quieres es entenderte el material no es el fin.
Yo quiero decir algo, algo que no puedo definir completamente. Lo que sé no es bastante preciso para definir lo que quiero. Quiero ser entendida.
No estoy influenciada por los surrealistas, los conozco porque eran coetáneos míos en un cierto período de mi vida, así que los conocí cuando estaba en una escuela de París; ellos vivían en la Rue du Seine, tenían su galería allí y yo me paraba y hablaba con ellos. Yo era una niña en edad escolar pero tenía el sentimiento de que era mejor que ellos, ésta fue mi primera reacción contra ellos (contra el grupo). Yo era muy feliz en aquella época de tener con quien enfrentarme. Esto era como el mármol, la resistencia que me ofrecían me hacía más fuerte.
Al mismo tiempo que los surrealistas entre 1932-1933, lo que me interesaba en París era el diseño gráfico Art-Decó. Eso era lo que me gustaba, aquellos artistas no por lo que decían sino por lo que hacían.Los surrealistas eran extremadamente autoconscientes y estaban más interesados en su presencia, en sí mismos. No eran concretos. Pero la gente Art-Decó tenía orígenes modestos, eran formales y sus formas eran puras. Así eran A.M. Cassandre y Paul Colin, quienes me interesaban, y hubo una exposición muy interesante de ellos en 1925, mientras que la exposición de los Surrealista en 1936 fue solamente un show político.
El pensamiento y las preocupaciones de un hombre son realmente diferentes del pensamiento y las preocupaciones de una mujer, esto es obvio, y todos lo sabemos, y yo soy una mujer, así que, lo quiera o no, yo soy parte del movimiento feminista. Pero mi marido es mucho más feminista que yo, quizá porque su madre fue una importante activista feminista y él ha querido sobrepujarla en esto. Estoy interesada en las objeciones que los hombre hacen al feminismo, en sus argumentos.¿Qué hay de extraño en esto? Qué hacer para ser una buena mujer nunca lo he descubierto. Aunque pienso que sólo estoy interesada en el trabajo que haré mañana, no destruyo mi trabajo anterior.No estoy interesada en él, él vive por sí mismo, acumulando polvo. El polvo acumulado puedo quitarlo y decir “esta es una exposición de los cincuenta”. Es bonito encarar el pasado, no tiene nada de malo.El sentimiento de crear es verdaderamente una lucha contra la depresión, la cosa es no deprimirse, lo cual no es interesante en absoluto; lo que interesa es salir de la depresión y la manera de salir es tener una pareja de ideas brillantes, esto realmente funciona. Naturalmente necesita de una disciplina, pero es realmente lo que está detrás del trabajo. Es como decir “mañana será un gran día”, porque decir esto es ridículo, mañana será igual a ayer, pero de alguna manera salta algún resorte y piensas, “ mañana lo conseguiré”. Si eres un escultor tienes algo, el trabajo está allí, habla por ti.
Tengo una vida pequeña, estoy muy concentrada. Mi arte es preciso y cada día es lo mismo. La disciplina, la rutina, no me preocupa. Nunca me tomo vacaciones, no las disfruto. En Europa no hay nada para mí, Europa no me fascina. Lo que me fascina es tener una meta que sea muy difícil de conseguir.Estoy interesada en el metro de NY, en entrar allí y en observar cómo la gente se va a trabajar cada mañana, me fascina que no se caigan en la vías, cómo son capaces de llegar cada mañana a sus trabajos y cómo los vagones se quedan desiertos a las nueve y cinco. Me fascina cómo funciona toda esa gente, no diría que son felices, pero siguen. Esto para mí es una maravilla.
En Atlantic Avenue, en Brooklyn, por ejemplo, puedes encontrar gente de todo el mundo en el metro antes de las nueve. Se toleran unos a otros, no diría que ríen, pero se toleran, esto es maravilloso.
Soy una especie de reclusa y no necesito continuar y continuar cada vez mas rápido, ni necesito enseñar mi trabajo, ni explicarlo. Si el trabajo no se comunica contigo por sí solo, relájate. ¿Tienes que definirte a ti mismo? Es muy difícil definirse y es mucho más difícil mostrarse.
No estoy interesada en otros artistas, disfruto con algunos inmensamente, pero es un placer sin relación con mi trabajo. De hecho es casi como unas vacaciones cuando salgo a ver una exposición.
Tengo una casa de campo en Suiza, a la que cualquiera puede ir, pero he descubierto que quieren que haga crítica de su trabajo. Bien, esto es ridículo. Yo torturo mi cerebro para la crítica, hago crítica constructiva y ellos se lamentan porque no quieren ser criticados, ellos quieren ser amados y animados.Esto no es posible, no se puede animar a todo el mundo. Puedo pasar horas hablando de su trabajo pero ellos no pueden pretender que lo ame. Y algunas veces no me gusta. No puedo comprometerme a decir que me gusta algo que no lo hace. Aprecio esas tardes pero siento al final de ellas que algo ha fallado. Siento que toda esa gente ha venido por algo que no ha conseguido. La gente espera demasiado; pretenden que les estimule a convertirse en Picasso, el cielo es el límite. Esto es lo que veo en los estudiantes, ellos desean el show y las grandes ventas, y no hay límite en esto.Me recuerda a un viejo cuento de hadas: un niño quería dejar su casa, olvidarse de ella, y corrió hacia el bosque hasta las seis de la tarde, después quiso volver pero no pudo rehacer sus pasos.La idea de vender es nueva, en el pasado los artistas trabajaban, hacían sus exposiciones y después llevaban sus trabajos de vuelta a casa.-nada se vendía, naturalmente-. Esto naturalmente me ha sucedido a mí. Un montón de artistas abandonaban, pero era una gran experiencia ver el trabajo lejos del estudio en una exposición.Recuerdo que cuando Stuart Davis tuvo éxito y le hicieron una gran exposición en el MOMA, él dijo “nunca podré pintar de nuevo” y eso era cierto. No sé qué clase de síndrome es éste, pero muchos artistas no pueden soportar el éxito. Y tampoco puedes vivir continuamente en el fracaso… de modo que puedes decir que el arte es una adicción que no puedes controlar.
El material es sólo el material, está ahí para servirte y dar lo mejor de sí, si quieres o esperas algo más, simplemente cambias de material. El mármol es interesante para mí porque posee una magnífica resistencia y al mismo tiempo es frágil, se rompe. Uno busca una cosa y encuentra algo diferente; si quieres algo demasiado rompes la piedra.
La resistencia del material es semejante a la resistencia de las personas; cuando quieres seducirlas y ellas no lo desean, lo que tú quieres es la base, pero tienes que ajustar.El romance con la materia es absurdo, una noción académica, los materiales son lo que son, no son un fin sino un medio para conseguir un fin, ha de servirte. La finalidad es conseguir lo que quieres decir. Tanto si lo que quieres es entender como si lo que quieres es entenderte el material no es el fin.
Yo quiero decir algo, algo que no puedo definir completamente. Lo que sé no es bastante preciso para definir lo que quiero. Quiero ser entendida.
No estoy influenciada por los surrealistas, los conozco porque eran coetáneos míos en un cierto período de mi vida, así que los conocí cuando estaba en una escuela de París; ellos vivían en la Rue du Seine, tenían su galería allí y yo me paraba y hablaba con ellos. Yo era una niña en edad escolar pero tenía el sentimiento de que era mejor que ellos, ésta fue mi primera reacción contra ellos (contra el grupo). Yo era muy feliz en aquella época de tener con quien enfrentarme. Esto era como el mármol, la resistencia que me ofrecían me hacía más fuerte.
Al mismo tiempo que los surrealistas entre 1932-1933, lo que me interesaba en París era el diseño gráfico Art-Decó. Eso era lo que me gustaba, aquellos artistas no por lo que decían sino por lo que hacían.Los surrealistas eran extremadamente autoconscientes y estaban más interesados en su presencia, en sí mismos. No eran concretos. Pero la gente Art-Decó tenía orígenes modestos, eran formales y sus formas eran puras. Así eran A.M. Cassandre y Paul Colin, quienes me interesaban, y hubo una exposición muy interesante de ellos en 1925, mientras que la exposición de los Surrealista en 1936 fue solamente un show político.
El pensamiento y las preocupaciones de un hombre son realmente diferentes del pensamiento y las preocupaciones de una mujer, esto es obvio, y todos lo sabemos, y yo soy una mujer, así que, lo quiera o no, yo soy parte del movimiento feminista. Pero mi marido es mucho más feminista que yo, quizá porque su madre fue una importante activista feminista y él ha querido sobrepujarla en esto. Estoy interesada en las objeciones que los hombre hacen al feminismo, en sus argumentos.¿Qué hay de extraño en esto? Qué hacer para ser una buena mujer nunca lo he descubierto. Aunque pienso que sólo estoy interesada en el trabajo que haré mañana, no destruyo mi trabajo anterior.No estoy interesada en él, él vive por sí mismo, acumulando polvo. El polvo acumulado puedo quitarlo y decir “esta es una exposición de los cincuenta”. Es bonito encarar el pasado, no tiene nada de malo.El sentimiento de crear es verdaderamente una lucha contra la depresión, la cosa es no deprimirse, lo cual no es interesante en absoluto; lo que interesa es salir de la depresión y la manera de salir es tener una pareja de ideas brillantes, esto realmente funciona. Naturalmente necesita de una disciplina, pero es realmente lo que está detrás del trabajo. Es como decir “mañana será un gran día”, porque decir esto es ridículo, mañana será igual a ayer, pero de alguna manera salta algún resorte y piensas, “ mañana lo conseguiré”. Si eres un escultor tienes algo, el trabajo está allí, habla por ti.
Tengo una vida pequeña, estoy muy concentrada. Mi arte es preciso y cada día es lo mismo. La disciplina, la rutina, no me preocupa. Nunca me tomo vacaciones, no las disfruto. En Europa no hay nada para mí, Europa no me fascina. Lo que me fascina es tener una meta que sea muy difícil de conseguir.Estoy interesada en el metro de NY, en entrar allí y en observar cómo la gente se va a trabajar cada mañana, me fascina que no se caigan en la vías, cómo son capaces de llegar cada mañana a sus trabajos y cómo los vagones se quedan desiertos a las nueve y cinco. Me fascina cómo funciona toda esa gente, no diría que son felices, pero siguen. Esto para mí es una maravilla.
En Atlantic Avenue, en Brooklyn, por ejemplo, puedes encontrar gente de todo el mundo en el metro antes de las nueve. Se toleran unos a otros, no diría que ríen, pero se toleran, esto es maravilloso.
hoy: Mundo extraño! pinturas de Mariela Pessah
Qué sucede si tomamos un telescopio y aplicamos el ojo en el lado incorrecto?Un telescopio nos permite ver lo lejano como cercano: una ventana comunicante entre dos mundos desunidos en la tensa calma de la realidad.Quizás lo que Pessah logra es dar vuelta la mirada y ver lo inmediatamente cercano a través de la bruma de la lejanía. Una distancia elegida, un encuadre minucioso para cada escena, un muro cubierto de antiguos cuadros, o el ojo múltiple de una mosca.El velo de la artista en todo caso es más apolíneo que caótico: embellece lo horroroso, hace posible contemplar lo que no tiene palabras. Y si las palabras aparecen son imágenes componiendo el cuadro, como ya es tradición en su obra, casi secreta. Una obra tan fuertemente pictórica que se permite recibir a la palabra escrita con la tranquilidad de un anciano anfitrión virtuoso que invita a tomar el té a un joven vanguardista del concepto, por el simple placer de la experiencia. En este caso parece que los dos extraños encuentran la manera de construir un lenguaje efímero que funciona solamente para la ocasión.La escena de cada pequeña obra.La defensa aguerrida del pequeño formato es otra constante de los últimos años del trabajo de Pessah. La rebelión contra ciertas leyes establecidas por el llamado “mercado del arte” puede ser caprichosa, pero en todo cado el capricho encuentra un lugar en el mundo del arte donde se vuelve estructurante, indispensable. Será en ese punto donde su estética se aprovecha del mundo infantil para hablar lo que los adultos no podemos soslayar por más cuentas que decidamos pagar: el barco que no se puede hundir, el bosque que no se puede dejar de atravesar, la pregunta sin respuesta, la angustia sin solución. Todo chiquito, todo tan detallado como ambiguo, como en una primorosa pesadilla tamaño petit.Mariela abre muchas ventanas en una pared blanca, ojos de cerradura o perforaciones de lo cultural que nos agobian pero nos refrescan, gracias a unas gotas concentradas de humor deliverado.Para poder ver más allá hay que subvertir alguna regla. Ser medium no es una tarea ni fácil ni elegida: algo más grande elige por el artista. Pararse frente estos cuadritos puede permitirnos jugar a ser más grandes que nosotros mismos. Hay que tener el tiempo para recorrerlos, hay que tener la llave y el coraje.Los paisajes absolutamente íntimos, únicos y personales de la tierra de la subjetividad son también los paisajes de todos. Eso, como artista pueril y sabia a la vez, es algo que Pessah conoce y maneja con destreza.
Ulises Petit de Seurat
Mundo Extraño! 14/09/08 al 30/09/08 en petit gallerie
Ulises Petit de Seurat
Mundo Extraño! 14/09/08 al 30/09/08 en petit gallerie
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